Hasard du calendrier ou Méliès-mania ? La sortie de l’album Le Voyage dans la lune intervient moins de deux mois après celle de Hugo Cabret de Martin Scorcese, dont un des personnages principaux est justement Georges Méliès, réalisateur du film éponyme. En l’occurrence, c’est le projet de restauration de la version couleur de ce mythe du cinéma (souvent considéré comme le premier film de science-fiction), projetée à l’occasion du dernier Festival de Cannes, qui a attiré le tandem de Versaillais dans ce projet de composition. Le résultat final – la pellicule rénovée dans son entier avec la musique originale de Air – est donc offert avec l’album, et c’est un bien bon moment de science-poésie-fiction hallucinogène que voilà ! Flashy, enfumé, bizarre, magique, c’est un film où les savants explorateurs se comportent comme des c(ol)ons, où les extra-terrestres sont déjà verts (on est en 1902) et où les parapluies se transforment en champignons géants (impossible de ne pas penser à Tintin et son Étoile mystérieuse !). La majorité des titres uniquement instrumentaux de l’album a été exploitée pour la bande originale, à savoir Astronomic Club, Décollage, Homme Lune, Lava, Sonic Armada, Retour Sur Terre et Parade, avec en prime quelques transitions à mon avis dispensables car beaucoup trop faciles.

Mais la vision du Voyage dans la lune ne devient pas pour autant un élément essentiel à l’écoute du disque : la musique est globalement assez réussie pour se suffire à elle-même. Car si l’agencement des titres choisi par le groupe fait que cette trop courte écoute se finit un peu en queue de poisson (Lava fait partie avec Parade, dont les sonorités sont un peu trop indochiniennes et bateau, des éléments faibles de l’album), le plaisir est bien réel. Air renoue avec la créativité et l’énergie qu’on avait appréciées dans les essentiels de sa discographie que sont Moon Safari et 10 000 Mhz Legend. Seven Stars (avec la présence vocale de Victoria Legrand) nous replonge avec bonheur dans l’ambiance spatiale des vidéos aux hommes bleus de Daft Punk. Le groupe joue avec les sonorités du Mellotron¹ à coup de chorus funky  dans Sonic Armada, il fait guincher son Cosmic Trip sur fond de voix d’hôtesse de l’air, il nous fait défiler sur le tambour de l’Astronomic Club (une très bonne plongée dans l’ambiance du disque) et quitter les vapeurs industrielles de la terre avec… Décollage (forcément).

Mais les atmosphères les plus planantes et surprenantes (les oiseaux du Retour sur terre alors que la fusée s’engloutit dans les flots) sont celles qui auront mes faveurs. Entre autres parce que Air sait aussi prendre des risques harmoniques et créer des tensions grâce à des frictions plutôt inhabituelles dans le monde sonore de la pop. Oui, il y a des tics sonores, des boucles, des ostinatos, mais on adore des moments comme Moon Fever , son motif doux fait d’intervalles un peu crus (quartes et quintes) qui se répète encore et encore… oui, c’est du déjà-vu, mais il se trouve que le résultat est un petit bijou d’hypnose par le rêve. Et surtout Who Am I Now, une berceuse chromatique en quintes (encore) où la voix ingénue et éthérée des Au Revoir Simone crée un malaise/plaisir étrange un peu inquiétant, le genre à vous plonger dans des visions à la Tim Burton.

Le principal défaut de ce Voyage dans la lune auditif étant au final sa courte durée, on saura donc sans problème se contenter de sa diversité, de son exotisme spatial vintage et de ses séduisantes bizarreries électroniques. Et puis surtout, on se réjouit vraiment que Air se montre de nouveau capable de nous vendre autre chose que du rêve teinté de rose bonbon.

Le voyage dans la lune, de Air
Paru le 6 février 2012 chez EMI²

1. Le mellotron sonne-t -il encore plus vintage et ringard que le Minimoog, en voilà une bonne question ?

2. On recommande au passage très chaudement d’en profiter pour acheter l’édition limitée qui comprend un DVD du film de Georges Méliès dans sa version couleur.

Le nouveau projet de Zita Swoon, expert en la matière depuis près de vingt ans maintenant, s’inscrit de plain-pied dans cette étrange époque où un artiste est devenu inclassable presque par définition, et où l’hybridation est le dernier bastion de ceux qui ne veulent pas s’enfermer dans des formules de plus en plus rigides et éculées. Même le nom du collectif emmené par Stef Kamil Carlens a fini, avec le temps, par muter. Le voici désormais réinventé en Zita Swoon Group, et en pleine exploration de nouvelles terres via l’intégration presque parfaite d’Awa Démé (au chant) et de Mamadou Diabaté Kibié (au balafon), deux griots originaires du Burkina Faso.

L’album s’appelle Wait for Me et semble s’être donné pour première règle de ne ressembler à rien d’autre qu’à lui-même. C’est l’un des traits les plus marquants de Zita Swoon depuis longtemps, que de réinventer le présent en partant de bases traditionnelles et/ou intemporelles. Ici, la musique mandingue rencontre le blues funky cher au groupe belge, et le résultat sonne comme une évidence.

A mille lieues – mais est-il réellement nécessaire de le préciser ? – de la world-music consensuelle et entendue qui pénètre généralement les ondes, les rythmes madingues, connus pour leur répétitivité, mutent en une pop incroyablement légère et dynamique (Tasuma/Ji, Nègèn) ; chacun semble trouver une place naturelle au sein de l’édifice, à commencer par le balafon, vif, et les voix, qui pour n’avoir pas grand-chose à voir l’une et l’autre (celle de Démé est un rugissement ; celle de Carlens un feulement) se marient à merveille. Mais il est vrai qu’avant d’être une rencontre musicale, Wait for Me est le récit d’un voyage et de rencontres humaines. Une histoire de partage autant que d’engagement (les textes – pour ceux que l’on a compris – traitent largement de la situation complexe de l’Afrique de l’Ouest en général et du Burkina Faso en particulier), même si l’aspect dansant des rythmes et la jovialité des mélodies a très souvent tendance à le faire oublier. Énergisant, empreint d’humour (on le sent y compris lorsque le passage est chanté en dioula), l’ensemble est non seulement probant, mais s’avère aussi un album dont on se lasse très difficilement, si riche dans les orchestrations que l’on peut réécouter des dizaines de fois sans jamais éprouver le moindre sentiment de répétition. Une rareté.

Wait for Me, du Zita Swoon Group
Sortie le 20 février chez Crammed Discs
En concert au 104 (Paris) le 8 mars prochain
Crédit photo : site des artistes

We Need to Talk about Kevin est un film particulièrement dérangeant pour les parents car il traduit à l’écran leur plus grande hantise, celle de voir grandir un criminel en devenir. Habilement articulé entre passé et présent, ce film de Lynne Ramsay épouse le point de vue d’une mère plongée dans une tragique et intime introspection. De la conception de son enfant au drame dont il sera l’acteur principal, cette dernière nous fait découvrir étape par étape les événements qui ont conduit à l’éclatement de sa cellule familiale.

Incarnée par une Tilda Swinton au sommet de son art, Eva est une femme dynamique qui, non sans regrets, a renoncé à sa vie de globe-trotteuse pour fonder un foyer. Malheureusement, en dépit de ses efforts et de son investissement dans ce nouveau mode de vie, Eva réalise peu à peu que son fils Kevin n’est pas comme les autres.

Insupportable (bébé), insolent (bambin), jusqu’à devenir franchement inquiétant (pubère), Kevin va imposer une relation complexe et ambiguë à sa mère. De l’incompréhension (Kevin la provoque) jusqu’à une certaine forme de rejet (Eva fait un autre enfant), cette dernière subit crescendo la montée en puissance et en violence d’un fils prêt à tout pour la pousser à bout.

Pas plus que son nigaud de mari (John C. Reilly dans toute sa bonhomie), Eva ne parviendra véritablement à comprendre son propre fils. En revanche – et c’est toute la force du film de Lynne Ramsay – l’introspection d’Eva met à jour l’échec total de la cellule familiale de son foyer, à travers le déni et le refus total d’aborder de front le problème que représente la folie palpable et grandissante de son fils.

Avec une musique qui souligne le décalage grandissant entre parents et enfant, une succession de scènes où les provocations du fils tranchent avec l’attentisme ambiant, We Need to Talk about Kevin laisse traîner un certain malaise chez le spectateur, sans tomber dans le piège facile de la condamnation moraliste de ses personnages.

Édité en DVD (et disponible en VOD) chez Diaphana Édition Video, le film bénéficie d’une copie irréprochable sur un plan technique. L’interactivité, limitée, se réduit à un seul supplément contenant des entretiens avec l’équipe du film (19 mn) dans lesquels les acteurs principaux du film y dévoilent des interprétations assez pertinentes de leurs personnages. Des bandes-annonces (du film et du catalogue actuel de l’éditeur) complètent enfin l’ensemble.

We Need to Talk about Kevin, réalisation de Lynne Ramsay
Scénario : Lynne Ramsay et Rory Stewart Kinnear, d’après le roman de Lionel Shriver
Avec Tilda Swinton (Eva), John C. Reilly (Franklin) et Ezra Miller (Kevin)
Caractéristiques techniques : 2011 ; 107 mn ; 16/9 compatible 4/3 ; couleurs, format 2.35 ; versions originale et française Dolby Stéréo et Dolby Digital 5.1, sous-titres français
Sorti le 01 février 2012 en DVD et VOD aux éditions Diaphana Vidéo

Crédit photographique : © Diaphana Édition Vidéo

En attendant que voie le jour l’album entier (actuellement en préparation, nous souffle-t-on dans l’oreillette), Onwards to the Wall s’occupe d’enfoncer le clou et de rappeler au monde qui sont les patrons dans un registre noise/shoegaze/new wave largement balayé par la concurrence depuis (si ce n’est dans la foulée de) l’atomique Exploding Head de 2009. Trois secondes d’I Lost You suffisent à remettre les morveux noisy à leur place : aucun groupe du genre n’arrive à la cheville d’A Place To Bury Strangers, aucun groupe ne sonne comme lui et aucun groupe ne sait bâtir une si parfaite harmonie entre bruit, fureur et songwriting. Puissant quand les autres sont gueulards, chirurgical quand les autres sont brouillons, et élégant, bien sûr, dans sa production, dans les mélodies sublimes qui se planquent derrière l’électricité diluvienne… A Place To Bury Strangers n’a toujours aucun concurrent sérieux en 2012.

Ce constant posé en trois secondes, donc (fou ce qu’on peut aligner comme pensées dans ce laps de temps), Onwards to the Wall, littéralement droit dans le mur (du son, on l’imagine ¹), n’a plus qu’à dérouler : l’auditeur est déjà conquis. Rien n’y est de toute façon surprenant, au sens où ces cinq nouveaux morceaux sont prévisiblement énormes, et s’inscrivent dans la droite ligne d’un Exploding Head dont ils pourraient aussi bien constituer les chutes. Deux morceaux dans le registre new wave (So Far Away, hanté ; Onwards to the Wall, décharné), un relent hardcore bienvenu (Nothing Will Surprise Me, bien nommé) et un final, Drill It up, typique du trio de Brooklyn. On aura le droit de trouver l’ensemble un brin convenu, même si la qualité intrinsèque des compos n’est aucunement en cause. Il est si difficile de nos jours de tomber sur des groupes aussi complets que celui-ci, capables de convoquer les ténèbres avec une aisance remarquable, de discipliner le chaos, d’emprisonner l’auditeur dans d’improbables tunnels soniques… que l’on se voit mal faire la fine bouche. Mais on attend quand même avec d’autant plus d’impatience le prochain album, histoire de voir si A Place To Bury Strangers nous offre un Exploding Head vol. 2 ou bien s’il en a encore sous la pédale d’effets.

Onwards to the Wall, d’A Place To Bury Strangers
Sortie le 13 février chez Dead Oceans
Crédit photo : Dead Oceans

1. J’en connais qui vont passer à la caisse.

Difficile d’abord de ne pas être séduit par la chanteuse tellement inspirée par Klaus Nomi et Julie Cruise (enfin, à mon avis). Ce lien aux multiples ramifications vous en dira bien plus long sur une jeune femme torturée et joueuse, schizophrène et terre à terre, louvoyante et carrée, menteuse et sincère ; bref, une collection vivante d’oxymores vit en elle. Sans compter ses Queens, dont chacune est l’éponyme d’un album ou EP, comme ici Mac Abbey, selon elle la plus détestable des cinq Queens dont les noms commencent tous par M.

J’imagine sans peine que ses concerts doivent donner une dimension vraiment spéciale à ses chansons, tant la belle Christine suinte l’excentricité brillante et glamour (et non pas la vieille crasse d’un corps jamais récuré, comme ses jolis mensonges nous le laissent croire, voir le dossier de presse inclus dans le site cité plus haut).

Alors qu’est-ce qui cloche ? La monotonie des mélodies d’abord, les unes ressemblant inexorablement aux autres, et sur cinq morceaux, ça fait vite ritournelle voire rabâchage. Non pas que les morceaux soient mauvais, loin de là, mais ils laissent comme une impression d’inachevé. La faible ampleur musicale aussi, sympathique au départ, finit par lasser. On voudrait du cuivre, de la corde et du souffle, en un mot de l’orchestre, et l’on a du Bontempi. De luxe certes, mais du Bontempi. J’ose ? Allez, j’ose : bon, tant pis.

Trêve de plaisanterie lamentable, il me semble que Christine et son univers forment un diamant brut, pour l’instant assez grossièrement taillé, mais qui pourrait nous donner à entendre et à voir des choses formidables. Et je lui souhaite ardemment, car en s’étoffant elle pourrait devenir la nouvelle Elizabeth Fraser, inoubliable chanteuse des Cocteau Twins.

Mac Abbey, par Christine and the Queens
EP cinq titres autoproduit
Déjà disponible (janvier 2012)
Crédits photographiques : site de l’artiste

Alfredson et ses scénaristes ont fait le choix de prendre le moins possible la main du spectateur. Aussi faut-il un peu de temps pour bien assimiler l’organisation des services – qui fait quoi ? ; à quoi servent-ils ? – alors que, déjà, la traque a commencé. La progression est certes linéaire mais est trouée de flashbacks en fonction des témoignages recueillis ou des souvenirs de Smiley.

Anti-spectaculaire au possible le film est même construit autour d’un axe sentimental peu glamour : la fête de Noël du personnel du MI-6. Étrange, le souvenir de cette soirée revient à plusieurs reprises pour souligner la trajectoire presque identique des personnages quelque soit leur fonction : la solitude. C’est avant tout cet aspect qui est travaillé – comme dans le précédent opus du réalisateur qui faisait se croiser deux marginaux et mélangeait habilement conte de fées et film de vampires. Ici, le conte de fées n’existe pas et l’amour que peuvent rencontrer les espions est voué à l’échec. C’est bien le seul point commun que l’on pourra trouver avec la saga James Bond. Ainsi, Smiley et les autres ne nourrissent que des regrets mais font preuve d’un dévouement envers leur patrie. A tort ou à raison, dans le petit jeu de chat et de souris qu’ils mènent avec les autres nations ou entre eux, n’entre quasiment jamais en ligne de compte un intérêt ou la possibilité d’un enrichissement personnel.

Que dire du faux rythme du film ? Les contempteurs y verront une préciosité ou un hommage à quelques séries allemandes des années quatre-vingt. Ce serait, à notre sens, plutôt injuste. Ainsi, la scène d’ouverture diffuse-t-elle une véritable angoisse et constitue une parfaite entrée en matière pour dérouler l’histoire. Plus globalement, Alfredson arrive à relever le défi d’instaurer un suspense dans une scène de vol de dossier aux antipodes des casses alambiqués des films Mission : Impossible. Enfin, nous saluons également l’effort pour éviter toute scène narrative superflue, ce qui demande certes un peu de concentration, provoque un peu de frustration dans cette administration fort stoïque, mais permet de donner un certain mystère et une épaisseur à l’ensemble des personnages. Nous pourrons remarquer que le film évite l’humour de peur peut-être d’exprimer une certaine joie de vivre. Le réalisateur glisse tout de même un moment de rigolade (jaune) lorsque Jim Prudeaux (Mark Strong) éclate, à la batte de cricket, une chouette en feu (!).

En matière de photographie, à la recherche d’une lumière souvent blafarde, on évolue dans des tonalités beiges et marrons ternes. Le film incruste littéralement les protagonistes dans le décor. Il y a bien quelques scènes romantiques avec une voiture décapotable mais elle se situe dans un port industriel rempli de containers. La réalisation est très soignée et aussi minutieuse que Smiley, serrant les cadres, étouffant au maximum les individus, servie par des acteurs souvent justes en particulier le pool de « chasseurs de scalps » (Benedict Cumberbatch, Tom Hardy, Mark Strong), pas encore complètement détruits mais pas loin quand même. Nous avons même été surpris par la note d’espoir située à la fin qui montre Smiley retrouver sa femme. A tel point que son absence durant l’enquête nous paraîtrait presque suspecte…

La Taupe est un divertissement étrange, jurant avec le tout venant hollywoodien voire même les films policiers britanniques du moment, rythmés, sales et violents. L’œuvre constitue une fort belle alternative aux James Bond dont nous restons tout de même amateurs.

La Taupe (Tinker, Tailor, Soldier, Spy) de Thomas Alfredson, avec Gary Oldman, Colin Firth, Mark Strong, Tom Hardy, Benedict Cumberbatch, John Hurt, Toby Jones, Ciriàn Hinds, …
Grande Bretagne, Allemagne, France, 2011.
Couleur – 35 mm – DTS, Dolby Digital – 2.35:1 Cinemascope

Car Flood of Kool, album autoproduit, en écoute libre et/ou en téléchargement pour pas cher (comme les deux précédents EPs du groupe, écoutables et téléchargeables aussi sur leur site) a des qualités. La première étant sa sincère candeur. Une pop toute simple, de petites chansons effleurées d’une voix sans grand relief mais juste, batterie très très discrète, claviers omniprésents.  Beaucoup de petits breaks vaguement casse-gueule, mais ça passe. Il faut dire aussi que tous les titres se ressemblent un peu. Des mélodies sérieuses et tranquilles, en somme.

Les textes, généreusement disponibles sur le site, entr’ouvrent les portes de l’univers des trois compères soudés sous le parrainage éponyme du grand peintre néerlandais. Je n’irai pas jusqu’à vouloir trouver des ressemblances entre les tableaux de Piet Mondrian et les chansons de notre parisien de groupe, mais il serait intéressant de connaître la raison de ce choix. Bref, pour en revenir aux textes, uniquement écrits (et chantés, bien entendu) en anglais, ils dessinent un univers doux-amer, « rive gauche plurielle » si j’ose dire. Être joyeux d’être déprimé, déprimé devant la joie de vivre, hésiter entre prendre le monde à bras le corps par ses dessous de bras ou le laisser pourrir au loin entre deux Martinis-olive en terrasse… Ah ben oui hein, on est à Paris ¹, faut tenir le rang… Mais bon, il y a aussi quelques jolies tournures inattendues et moult références culturelles, la plupart m’ayant semblé d’ailleurs plutôt relever de la private allusion que de la volonté d’éduquer le peuple par l’émancipation de la connaissance…

Du fait de sa (encore) modeste notoriété, Mondrian exploite assez joliment réseaux sociaux et niches internet pour loger ses petits œufs musicaux. On vous encouragera donc sans vergogne à visiter leur page fascebook, plus à jour que leur page myspace.

Flood of Kool, de Mondrian
EP autoproduit
Disponible sur leur site : http://popmondrian.bandcamp.com/
Crédit photographique : site des artistes

1. Ville des artistes mais aussi premier titre de l’EP

True Legend est un film d’arts martiaux particulièrement ambitieux. Pour la Chine tout d’abord puisque le film compte un solide budget estimé à 20 millions de dollars. Pour Yuen Woo-Ping, un chorégraphe inégalé condamné à se surpasser à chacune de ses nouvelles réalisations. Pour le cinéma d’arts martiaux en général puisque True Legend est le premier film chinois à bénéficier de la technologie 3D.

Entièrement articulé autour du tragique destin de Su Can, un général d’armée respecté mais jalousé par son traître de demi-frère, True Legend aurait pu être le film de la consécration pour son interprète principal Vincent Zhao (Chiu Man-Cheuk à Hong-Kong). Acteur mésestimé, à l’ombre des superstars locales que sont Jet Li, Jackie Chan ou Donnie Yen, Vincent Zhao s’était illustré comme le pivot de deux films majeurs du cinéma hong-kongais avec Once Upon a Time in China V (1994) et The Blade (1995), réalisés par Tsui Hark. Malheureusement, au regard de l’échec commercial injuste que fut True Legend, le travail de cet acteur n’est pas prêt d’être reconnu par le grand public.

True Legend est pourtant un film important dans le genre où il s’illustre. En suivant la destinée de son personnage principal, Su Can, c’est pratiquement l’histoire même du cinéma asiatique d’arts martiaux qui nous est indirectement et subtilement retracée à l’écran. Aventure et Wu Xia Pian¹ lorsque le héros affronte une secte, fantastique et onirisme lorsque ce dernier s’entraîne auprès des dieux du combat (Gordon Liu et Jay Chou)… Le film évolue au gré des genres tout en faisant surgir à l’esprit les plus grands classiques de la Shaw Brothers comme L’hirondelle d’or (King Hu, 1966) ou La Rage du tigre (Chang Cheh, 1971).

Justement, plus subtile encore se révèle être la citation de ce film pilier du genre Wu Xia Pian. En exil forcé après avoir été blessé par son demi-frère, le héros de True Legend doit surmonter son doute et l’infirmité dans laquelle il a été plongé. De la déchéance physique (Su Can boit et ne peut plus se servir que d’un bras) à l’impuissance sexuelle (il se détourne de son épouse) avant la renaissance salvatrice dans le combat (non sans maîtriser de nouvelles techniques)… Tout le cheminement convoque celui parcouru par le héros de La Rage du tigre.

Quant à la dernière partie du film, c’est cette fois tout un pan moderne du cinéma d’arts martiaux dont Yuen Woo-Ping réalise un savant pastiche. Alors que Su Can, désormais clochard et ivrogne, erre dans une société nouvellement ouverte à l’occident, ce dernier s’éveille au Zui quan (ou la boxe de l’homme ivre) avant de la mettre en pratique lors d’un tournoi chaotique. Des ressorts comiques (soit l’ère Jackie Chan) aux démonstrations physiques (l’ère Van Damme), Su Can et ses adversaires successifs se livrent à des affrontement qui nous renvoient à l’engouement du public occidental pour ces aspects du cinéma d’arts martiaux. La présence de l’acteur américain David Carradine est donc loin d’être anodine dans ce passage.

Vous l’aurez compris, True Legend réussi l’exploit de synthétiser avec cohérence un genre majeur du cinéma populaire asiatique. Et au delà d’ailleurs de cet important travail historique et artistique, comment ne pas souligner l’aspect le plus original du film avec le cheminement personnel du héros Su Can. Expert dans l’art du sabre comme dans l’art du Wushu, ce dernier parvient de lui-même à faire surgir un nouveau savoir, et tout cela dans des états les plus seconds. Bref, la folie et le delirium tremens comme états préalables à la naissance d’un nouvel art.

Édité par Universal Picture Video en DVD (et Blu-ray), True Legend est un formidable spectacle à savourer avec son ensemble home cinema. Outre une image et un son au sommet (préparez le caisson de basses), le film s’accompagne d’un passionnant making of dans lequel on découvre toute l’ampleur du projet. Studio et décors immenses, trucages savants (la fly cam) et analyse approfondie du personnage principal… Les studios chinois n’ont absolument rien à envier à ceux d’Hollywood. Enfin, un clip musical interprété par la sublime Zhou Xun est également disponible dans l’interactivité du DVD ainsi que les bandes annonces de True Legend et de Hero (Zhang Yimou, 2002).

Épique, magnifique et philosophique, True Legend est un film d’arts martiaux à découvrir de toute urgence en DVD. Malgré une 3D absente sur le disque, le spectacle visuel reste au rendez-vous dans ce concentré de Kung-fu.

True Legend, réalisation de Yuen Woo-Ping
Avec Vincent Zhao (Su Can), Zhou Xun (Xiao Ying), Michelle Yeoh (soeur Yu), David Carradine, Gordon Liu et Jay Chou
Caractéristiques techniques : Chine ; 2010 ; 114 mn ; 16/9 compatible 4/3 ; couleurs, format 2.35 respecté ; versions originale (mandarin) et française Dolby Digital 5.1, sous-titrées français
Sortie prévue le 31 janvier 2012 en DVD et Blu-ray aux éditions Universal Pictures International France

Crédit photographique : © Universal Pictures International France

1. Aussi appelé « film de sabre chinois », le Wu Xia Pian est un genre cinématographique du cinéma d’action chinois,

Un cottage isolé, un couple en difficulté et un soldat qui s’incruste sans avoir été invité. Tel est le point de départ de ce tragique huis clos réalisé par Carl Tibbetts. Première réalisation de ce cinéaste et scénariste anglais, Retreat est un modeste mais sympathique hommage au cinéma américain des années 70.

Derrière une réalisation des plus sobres, à mi-chemin entre théâtre et cinéma, Retreat se révèle être un film traitant de l’incapacité à communiquer. Habilement traitée comme un mal contagieux, elle est tout d’abord ce qui conduit le couple Kate et Martin à s’isoler sur une île afin de se reconstruire. Incapable de communiquer depuis la perte de leur enfant mort-né, le couple se retrouve ensuite confronté au même problème en compagnie d’un soldat, peu enclin à son tour à échanger.

Prévisible, l’issue fatale et violente de ce climat de défiance ne nuit pas pour autant à la qualité générale de ce petit film inspiré des Chiens de paille de Sam Peckinpah (1971). Porté par une distribution réduite mais de qualité (Cillian Murphy, Jamie Bell et Thandie Newton), Retreat se laisse regarder sans déplaisir.

Disponible en DVD (et Blu-ray), ce film inédit bénéficie d’une image irréprochable et d’un son 5.1 Dolby Digital (5.1 DTS HD en blu-ray), ce qui est déjà pas mal pour la mise en scène modeste de Carl Tibbetts. Pour prolonger votre soirée, il sera toujours possible de s’attarder sur les quelques suppléments présents sur le disque. Plutôt anecdotiques dans l’ensemble, ces derniers se composent d’un making of (17 min), d’une courte vidéo (7 min) derrière la caméra, et enfin de quelques interviews rapides de l’équipe du film.

Retreat, réalisation et scénario de Carl Tibbetts
Avec Cillian Murphy (Martin), Jamie Bell (Jack), et Thandie Newton (Kate)
Caractéristiques techniques : Angleterre ; 2011 ; 90 mn ; couleurs ; 16/9 compatible 4/3 ; versions originale et française 5.1 Dolby Digital, sous-titres français
Sortie prévue le 17 janvier 2012 en DVD et Blu-ray aux éditions Entertainment One
Crédit photographique : © Entertainment One

Et c’est vrai qu’indiscutablement, en matière de pop, c’était vachement mieux avant. Presque deux ans après la mort d’Alex Chilton, on voit mal quel artiste contemporain pourrait prétendre lui succéder dans la catégorie poids-lourd-de-la-pop-indé-avant-l’heure, qui donc pourrait nourrir un tel talent pour les mélodies ciselée ou bien injecter autant de fêlures dans les refrains les plus insouciants.

Déjà parue il y a quelques années sous le titre 1970, rapidement épuisée pour cause de culterie absolue pour tous les fans du Sherlock Holmes (la ressemblance est troublante sur certaines photos), Free Again est un parfait exercice de repackaging – exercice consistant en gros à faire passer pour une nouveauté un disque que beaucoup connaissait déjà, en changeant le titre et la pochette. Réflexion qui ne devra pas être prise comme un reproche tant le contenu de ces sessions rapidement torchées avec le producteur John Fry (son mentor, qui produira par la suite tous les albums de Big Star ¹), et jamais parues officiellement ², recèlent de pépites.

Une phrase facile serait de dire que Free Again est le chaînon manquant entre les Box Tops et Big Star, les deux groupes de Chilton. Facile, puisque les sessions ont été enregistrées pile dans l’interstice entre son départ des premiers (février 1970) et la formation des secondes (début 71), mais vrai : ces enregistrements plus produits que ce que l’appellation démo laissera supposer sonnent bel et bien comme un compromis entre les deux combos mythiques, même s’il faudrait plutôt parler d’une alternance entre l’un et l’autre de ces deux sons (assez différents dans l’absolu). Sans surprise, c’est lorsqu’il se rapproche de la pop incandescente de la grosse étoile (Free Again, All We Ever Got From Them Was Pain) que Chilton impressionne le plus, quand les passages R&B (au hasard : Come on, Honey) sont plus appliqués et parfois un brin maladroits (à sa décharge, Chilton n’avait pas encore vingt ans). Ironiquement, ce sont les reprises véhémentes et habitées de Jumpin’ Jack Flash et Sugar Sugar qui laissent le meilleur souvenir, comme souvent chez les jeunes artistes, qui se lâchent parfois plus facilement sur le répertoire des autres que sur les leurs.

Inutile de le préciser après cette ultime réflexion : l’objet s’adresse principalement aux fans, dont on regrettera toujours qu’ils ne soient pas plus nombreux. Ceux-là en revanche n’en reviendront pas de l’efficacité de certaines mélodies (citons encore l’étincelante If You Would Marry Me Babe ou The EMI Song) et, pour un peu qu’il ne possèdent pas déjà 1970, se jetteront sur ce disque comme la faim sur le pauvre monde. Pour tous les autres, découvrir Chilton en 2012 ne coûte quasiment rien : il suffit de se procurer la compilation des deux premiers Big Star, disponible à peu près partout à un prix dérisoire.

Free Again : The « 1970″ Sessions, d’Alex Chilton
Disponible depuis le 12 janvier chez Omnivore Records
Crédit photo : Omnivore

1. Tous les « vrais » albums de Big Star, s’entend. Il va sans dire que celui de la reformation des années 2000, pour sympathique qu’il soit, ne compte pas.
2. La version éditée par Ardent – le label de Fry – en 1996 était plutôt considérée comme un official bootleg.